Николай Попов: «Для меня работа с видеохудожником — невероятный процесс»

Published Date

В Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского в эти дни проходит музыкальный фестиваль «Творческая молодежь Московской консерватории». В рамках этого форума  21 сентября в Рахманиновском зале состоится концерт из произведений двух молодых, но уже известных в академических кругах, композиторов-электроакустиков  - Николая Попова и Александра Хубеева. В преддверии этого события специальный корреспондент радио "Орфей" Елена Кравцун поговорила  с Николаем Поповым о том, что такое электроакустическая композиция сегодня, как работается с видеохудожниками и о чём поёт Ульдра.

Из твоей биографии известно, что ты первоначально получал музыкальное образование по классу баяна. Как ты пришёл к мысли заняться композицией?

Я имею два диплома о средне-специальном образовании: по классу баяна и по классу композиции. Меня всегда удручало то, что для этого инструмента существует огромное количество различных обработок, но сочинений, написанных специально для баяна, очень мало. Его позиционируют как народный инструмент, чего я лично никогда не принимал. Поэтому я всегда старался играть произведения, написанные для баяна современными композиторами - Софьей Губайдуллиной, Альфредом Шнитке. И в конце концов начал писать сам. Потом стали появляться пьесы для рояля. Окончив Музыкальный колледж в Уфе, я поступил в Московскую консерваторию в класс композиции профессора  В.Агафонникова и класс электроакустической музыки профессора И.Кефалиди. Сейчас подходит к завершению моя учёба в аспирантуре.

С одной стороны, ты имеешь классическое консерваторское образование, а с другой,  ты участвовал в мастер-классах многих современных композиторов. Я назову некоторых их них: Войцех Видлак (Польша), Ален Госсен (Франция), Родион Щедрин (Россия), Борис Тищенко (Россия), Франк Бедросян (Франция), Мишель Фургон (Бельгия), Иван Феделе (Италия). На твой взгляд, что актуальнее на сегодняшний день для композитора: проучиться пять долгих лет в консерватории или предпочесть этому  столь модные сегодня  workshop'ы с маститыми авторами?

Композиторское образование в вузе отличается некой консервативностью, я думаю, с этим никто не станет спорить. Композитор получает базовые знания "от А до Я", необходимые для его профессии. Поэтому все мастер-классы, на которые может попасть студент, обязательны к посещению. Это даёт возможность узнать о новых направлениях в современной академической музыке, о новейших разработках в технологиях. Мне лично эти мастер-классы дали невероятный толчок к развитию. Тем не менее, я благодарен своему педагогу по композиции Владиславу Германовичу Агафонникову, который дал мне несметное количество советов.

К какому направлению в современной академической музыке ты себя сам относишь?

Уже долгое время меня занимает электроакустическая композиция. Я выступаю и как исследователь такого рода музыки, и как композитор. Также меня интересует возможность синтеза мультимедийных технологий и электроакустической музыки.

В афише концерта, который состоится в Рахманиновском зале, я вижу произведения, которые буду сопровождаться видеорядом. Например, «Песня Ульдры» для ансамбля и электроники (видеохудожник – Алёна Скорнякова).  Расскажи, пожалуйста, как проходила работа с видеохудожником и в чём её специфика?

Разные произведения диктуют и разный подход в работе с видеохудожником. Бывает так, что в начале оговаривается некая сверхидея и каждый  - композитор и видеохудожник - работают отдельно над материалом. И уже потом начинается взаимодействие. А бывает и по-другому. Когда визуализация исходят от композиторского замысла, формообразования и других параметров. Есть еще вариант Live-video (по аналогии с live-electronic). У меня были такие опыты. Например, я сотрудничал с видеохудожником из Италии Эндрю Квинн, который известен своей работой в фильме "Матрица". Он занимается визуализацией в реальном времени. Он предоставляет мне полную свободу и мы не ставим никаких рамок. Для меня это всегда большая неожиданность, а для него - процесс огромной предварительной подготовки, чтобы реализовать всё задуманное на концерте. Несколько наших совместных работ были представлены на Венецинаской биеннале в этом году. Ещё я сотрудничал с видеохудожником из Сербии Тодор Пожарев.

Лично для меня работа с видеохудожником - невероятный процесс. Во-первых, необходимо понимать друг друга буквально с полуслова. Во-вторых, очень важна общность взглядов. На мой взгляд, контакт с представителями других творческих профессий очень важен для композитора. Это возможность узнать что-то новое как в эстетическом, так и в технологическом отношении. Ведь когда мы учимся, мы как бы "варимся" только в своей среде, мы отделены от общехудожественного мира. Мы не знаем ни современных молодых режиссёров, ни художников, ни писателей.

Уже много раз обсуждалось, что наше поколение более всего настроено на восприятие визуальной информации через красивую картинку. Не пугает ли тебя, что в мультимедийных композициях слушатель, пришедший на концерт, будет больше заинтересован видеорядом, нежели твоей музыкой?

Сам жанр электроакустической музыки предполагает различное воспроизведение. К примеру, то может быть чисто электронное исполнение, или совместно с живыми инструментами, и третий вариант - та же самая пьеса, но ещё и с визуализацией. Получается, что одна и та же композиция может жить на различных уровнях восприятия, существовать в нескольких качествах. Это придаёт ей глубину, новое измерение. Вариант с визуальным рядом несколько упрощает восприятие современной музыки для непосвящённого слушателя.  Видео без музыки существовать не сможет, а вот музыка без видео - вполне спокойно существует. Например, композиция «kraMP» для ударных и электроники была исполнена Ансамблем Марка Пекарского много раз без видео, причём потери слушательского внимания я не ощущал. А в нынешнем концерте она прозвучит в сопровождении видеоряда.

Многие твои сочинения имеют необычные названия. В рамках концерта прозвучит «Nibiru 20/13» для струнного квинтета и электроники. Что это такое и чем навеяно?

Эта пьеса написана для ансамбля "Opus post" Татьяны Гринденко для концерта , который назывался "Посткапокалипсис в маЙе". Мы задумали этот проект вместе с Татьяной и Центром электроакустической музыки. Nibiru - это название таинственной планеты, которая по различным предсказаниям должна уничтожить Землю и вызвать конец света.

А «Песня Ульдры» для ансамбля и электроники?

«Песня Ульдры» написана для Студии новой музыки в рамках норвежского проекта. Задача стояла такая: написать пьесу о Норвегии или Эдварде Григе.  Ульдра - это персонаж из скандинавской мифологии, это красивая девушка, живущая в горах, которая вероломно заманивает путников и убивает их. Как указано в мифах, она одета в разноцветное платье, эти цвета как раз и отражены в нашей визуализации. Когда я изучал эти истории, то наткнулся буквально на следующие слова: "Песни Ульдры - звуки, которые часто слышатся в горах. Они звучат тихо и печально". Этот образ звуков в горах и стал отправной точкой для создания моей композиции. Мы с Александром Хубеевым приглашаем всех на наш концерт!


Интервьюер: Елена Кравцун
Оригинал публикации: www.muzcentrum.ru